Le documentaire de Todd Haynes 'The Velvet Underground' marie l'ambition cinématographique à l'affection d'un fan

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Comme Brian Eno célèbre mentionné , The Velvet Underground n'a pas vendu beaucoup de disques mais tous ceux qui en ont acheté un ont créé un groupe. Le dicton est rapidement devenu un cliché de critique rock attribué à tout groupe dont l'influence artistique l'emportait sur leur performance commerciale. Cependant, c'était avant Nirvana et The Strokes et St. Vincent et Lil Nas X. Dans un monde où tant de frontières ont été brisées, il est souvent difficile de se rappeler comment la déviation la plus subtile de la programmation habituelle produisait autrefois des ondes de choc. Je ne parle évidemment pas du Velvet Underground ici, car rien de ce qu'ils ont fait n'a jamais été subtil, même pas lorsqu'ils ont baissé leurs amplis.



Le nouveau documentaire du cinéaste Todd Haynes, Le métro de velours , créé sur Apple TV+ la semaine dernière et est un rappel de tout ce qui a rendu le groupe cool, intéressant et révolutionnaire en premier lieu. Haynes aborde le sujet avec la dévotion d'un fan, semblable à ses riffs romancés sur le glam rock des années 70 dans les années 1998 Velours d'or et Bob Dylan dans les années 2007 Je ne suis pas là . Pas une simple chronique de la durée de vie du groupe ou un témoignage rétrospectif, Haynes essaie ambitieusement de redonner vie au groupe et à son environnement, en utilisant abondamment les techniques cinématographiques expérimentales et les films d'art de l'ancien manager de Velvet Andy Warhol.



Haynes se concentre sur la première incarnation du groupe, construite autour des tours artistiques jumelles de Lou Reed et John Cale. Alors que Reed écrivait des tomes tabous sur la consommation de drogue, les drag queens et le dysfonctionnement, Cale poussait leur musique à des extrêmes bruyants. Dans un certain sens, toute l'histoire du groupe est racontée du point de vue de Cale. En tant que l'un des trois membres survivants du groupe, ses interviews constituent l'essentiel du récit du film et fournissent des informations et un contexte précieux.



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VELVET UNDERGROUND APPLE TV+ DOCUMENTAIRE

Photo : ©Apple TV/Avec l'aimable autorisation d'Everett Collection

Nous voyons d'abord Cale dans une interview d'archives, essayant d'expliquer la musique classique d'avant-garde à une salle pleine de normies. De l'autre côté d'un écran partagé, on entend Lou Reed parler du rock n' roll des années 50 qui lui a fait prendre la guitare. Le père de Cale était mineur de charbon. Reed était comptable. Là où Cale étudiait la musique, Reed étudiait la littérature entre ses visites dans des établissements psychiatriques, des bars gays et des lieux de flic du centre-ville. Il était juste en train de mettre en place un scénario où il aurait alors du matériel à écrire, estime Shelly Corwin, petite amie de l'université.



Reed et Cale se croiseront à New York au début des années 1960. Putain de merde. Cet endroit est sale, était la première impression de Cale sur la ville. Alors qu'il fréquentait les cercles musicaux d'avant-garde, Reed a écrit des chansons inédites pour une maison de disques naissante. Pour former The Velvet Underground, ils ont fait équipe avec le guitariste principal Sterling Morrison et la batteuse Maureen Tucker, l'une des premières musiciennes – sans parler des batteuses – dans un groupe de rock notable jusqu'à la fin des années 70. Dès le début, ils ont associé des idées musicales et lyriques de haute volée avec le pied bas du rock n' roll le plus bas, créant un modèle copié par d'innombrables groupes, punk ou autres. Il y a toujours eu une norme qui a été établie pour savoir comment être élégant et comment être brutal, dit Cale.

Le groupe est devenu un incontournable de The Factory, le studio d'Andy Warhol et un lieu de rassemblement pour son entourage. Warhol est devenu le manager du groupe, a installé la beauté germanique Nico en tant que chanteur principal et leur a signé un contrat d'enregistrement. C'est presque comme s'ils nous avaient signés pour nous sortir de la rue, dit Maureen Tucker. Warhol a mis le groupe en tournée dans le cadre de son Exploding Plastic Inevitable, une revue de médias mixtes mettant en vedette de la musique, de l'art, des danseurs et des spectacles de lumière. La réception a été moins qu'extatique, en particulier sur la côte ouest centrée sur les hippies. J'espère que vous êtes des enfoirés, a déclaré le promoteur Bill Graham au groupe lorsqu'ils ont joué dans son club, le Fillmore West. Le sentiment était réciproque. Cette merde de paix et d'amour, on détestait ça. Soyez réaliste, dit Tucker.



Reed en est venu à ressentir le ressentiment d'être perpétuellement associé à Warhol et, après deux albums raidis dans les registres, l'a renvoyé de son poste de manager. Les gens pensaient qu'Andy Warhol était le guitariste principal, dit-il avec dédain. Cale était aussi bientôt sur le billot. Je ne savais vraiment pas lui faire plaisir, dit Cale, … essaie d'être gentil et il te détesterait encore plus. Tucker dit que Reed voulait un véritable succès pop et a rendu leur musique plus normale. Le jeune fan Doug Yule est venu à la basse et au chant. Le troisième album éponyme du groupe les a trouvés jouer dans des tons feutrés, un son qui résonne encore aujourd'hui dans le rock indépendant et un contraste saisissant avec la cacophonie de leurs efforts antérieurs.

Au moment où The Velvet Underground a enregistré les années 1970 Chargé , Tucker était en congé de maternité et Morrison était la plupart du temps absent, s'étant inscrit à l'école supérieure. Les chansons de Reed étaient toujours remplies des mêmes personnages compliqués et endommagés, mais vous pouviez chanter avec eux. Reed quittera le groupe avant la sortie de l'album, déçu par la fortune du groupe après une résidence de neuf semaines à Max's Kansas City. Il retournera chez ses parents à Long Island pour panser ses blessures avant de se lancer dans sa carrière solo.

Certains ont critiqué Le métro de velours pour être trop arty ou pour ne plaire qu'aux fans du groupe. Je pense que c'est en quelque sorte le but du film et du groupe lui-même. Ma seule plainte est que Haynes se précipite à travers les années post-Cale car elles l'attirent évidemment moins que l'ère Warhol, mais c'est la plainte d'un fan. En fait, je préfère les derniers disques. En fin de compte, Haynes capture l'attrait du groupe, leur mystère, leur talent artistique et leur capacité à plaire à ceux qui recherchent quelque chose de plus que du fourrage traditionnel. Comme le dit l'auteur-compositeur-interprète et fan de VU Jonathan Richman à propos de sa première écoute du groupe, ces gens me comprendraient.

Benjamin H. Smith est un écrivain, producteur et musicien basé à New York. Suivez-le sur Twitter : @BHsmithNYC .

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